Na een totale herinrichting in 1997 zijn op de 22.000 m² van het museum vooraanstaande collecties ondergebracht van Europese schilderkunst (Rubens, Van Dyck, Goya, Delacroix, enz.), enkele belangrijke werken die de 19^e eeuwse Franse schilderkunst vertegenwoordigen (Bélisaire van David, L’après-dîner à Ornans van Courbet en Le Sommeil van Puvis de Chavannes) een belangrijk kabinet met tekeningen (waaronder 40 schetsen van Rafaël), een beeldengalerij (Carpeaux, Rodin, Claudel, Bartholdi…) en keramiek uit de 17^e en 18^e eeuw.
Het museum beschikt eveneens over een vijftiental 18^e-eeuwse maquettes van Noord-Franse en nu Belgische vestingsteden.

De tweede presenteert hem wat een spiegel lijkt te zijn. Hierboven kunnen we de inscriptie in het Spaans lezen “Qué tal? ". Het betekent "Hoe gaat het?" ". De toon is gezet. Goya drijft de spot met deze vrouwen door hen te vragen of ze in orde zijn terwijl ze duidelijk op de rand van de dood staan! De tandeloze mond voor de een, de ingevallen ogen voor de ander. Ze zien er al uit als skeletten, ondanks hun mooie kleren!

Dit type schilderij wordt een ijdelheid genoemd. Het is een beeld dat de kijker eraan wil herinneren dat jeugd slechts een voorbijgaande toestand is.

Nog verbazingwekkender is dat een derde personage op het punt staat hen met een bezem te raken. Dit is Chronos , god van de tijd. En wat zal er gebeuren? Ze lopen het risico in stof te vervallen omdat ze zo oud zijn!

De pijl die de aristocraat bij zich draagt ​​identificeert haar als koningin Maria-Luisa van Spanje. Haar portret dat Goya een paar jaar eerder maakte - in een meer consensuele stijl - toont haar met hetzelfde juweel.

Dit werk had een ongelooflijke geschiedenis. Het werd in 1836 gekocht door koning Louis-Philippe om lid te worden van de Spaanse galerij van het Louvre! Wanneer de vorst in ballingschap gaat in Engeland, neemt hij zijn verzameling mee, die later zal worden verkocht aan een verzamelaar. Het schilderij werd vervolgens in 1874 aangekocht door het Museum van Lille.

 Maar als we goed naar haar houding kijken – ze staat te glimlachen met haar vuist op haar heup – wordt het duidelijk dat ze lacht om wat haar geliefde haar heeft geschreven. Deze arrogante jonge vrouw is met grote precisie geschilderd, haar dienstmeid daarentegen is schetsmatig afgebeeld op het tweede plan. Kijk nu naar de achtergrond van het schilderij. Een groep vrouwen – wasvrouwen – is aan het werk. Ze zitten gebogen en zwoegen om de was in de rivier te wassen. Goya heeft ze met grove lijnen geschilderd. Hun gezichten zijn niet te onderscheiden. Was dit misschien in die tijd een manier om te tonen dat deze vrouwen onder aan de sociale ladder stonden? 

Het verschil van schilderwijze tussen de verschillende groepen geeft te denken.

Dit schilderij hangt naast een ander werk van Goya: De Oude Vrouwen. In de 19^e eeuw dacht men dat een tweedelige set van Goya beter was dan twee afzonderlijke werken. Er werd dus van alles gedaan om deze twee schilderijen als tegenhangers  voor te stellen: onder andere door hen een identieke lijst aan te brengen en De Oude Vrouwen te vergroten om dezelfde afmetingen als De Jonge Vrouwen te krijgen. Maar let op: De Oude Vrouwen werd enkele jaren vóór De Jonge Vrouwen geschilderd!

Het onvoltooide aspect van de achtergrond herinnert aan de werken van de kunstschilder Edgar Degas. Deze beschouwde Goya als een moderne schilder en heeft hem vaak als inspiratiebron gebruikt!

Dankzij een persoonlijke techniek van fragmentatie en naast-elkaar-plaatsen van kleurschakeringen drukt de schilder alle variaties aan lichtspelen uit. Het doek vibreert als het oppervlak van het water. Het palet is betrekkelijk sober, samengesteld uit blauw, geel en nuances van paarsachtig roze. dichtheid van de mist, de beroemde Londense fog, verwijdert de realiteit van de beschouwer nog wat verder om hem in het schilderij te laten duiken. Deze zo bijzondere stemming heeft het werk van de kunstenaar niet vereenvoudigt, zoals hij schreef aan Durand-Ruel, kunsthandelaar in Parijs: "ik werk vastberaden en vol ijver, maar het is zo moeilijk, zo veranderlijk vooral, dat het des duivels is om erin te slagen te doen wat ik wil".

Dit doek weerspiegelt goed een ander werk dat van bijzondere betekening is geweest in de kunstgeschiedenis, want het heeft zijn naam gegeven aan de impressionistische beweging: Impression, soleil levant (Impressie, opkomende zon), geschilderd door Monet, in 1873.

Het is het licht aan het eind van de namiddag of dat van de ondergaande zon dat de aandacht van de schilder trok op de verschillende momenten dat hij het Parlementsgebouw observeerde, vandaar de goudkleurige weerspiegelingen en het oranjekleurige licht.

Het altaarstuk is een heilig beeld dat bedoeld is om op een altaar te staan en trekt door zijn axiale positie in de kerk de blik van de gelovigen aan, verblind door de glinstering van goud en kleuren in het licht van de kaarsen. 

Deze stelt een Maagd voor die het kind borstvoeding geeft, omringd door de pelgrimsheiligen Nicolaas, Petrus, Paulus en Gregorius. 

Aan de voet van Sint-Paulus geeft een kleine schenker aan dat het werk bestemd was voor een klooster van dominicaanse nonnen. 

Dit altaarstuk onderscheidt zich door de elegantie van de gordijnen en de gestileerde behandeling van het krullende haar. 

Faun staande

RODIN Augustus  

Creatie ; XIXe eeuw

Gewicht in Kg: 15

Handtekening ;  Gesigneerd op de rots links: A. Rodin

De jonge vrouw is in het zwart gekleed. Ze rouwt om de dood van haar vader. De waaier onderstreept zowel haar vrouwelijkheid als de elegantie van haar lange artistieke handen. Het object herinnert eraan hoezeer Manet de meesters van de Spaanse schilderkunst zoals Vélasquez of Goya bewonderde. Het decor is sober om het oog niet af te leiden. Een plantmotief doet denken aan de Japanse stijl die destijds erg populair was.

Zwart domineert. Het wordt de handtekening van Manet. De look is openhartig, diep en ook sensueel. Het is omdat "zijn ogen waren, zoals Paul Valéry zich herinnert, bijna te groot en zo krachtig donker dat Manet, om al hun donkere en magnetische kracht te fixeren, ze zwart schilderde in plaats van groenachtig zoals ze waren".

1874, de datum waarop dit portret is gemaakt, is een bijzonder jaar. Het is dat van het huwelijk van Berthe Morisot met Eugène Manet, broer van de kunstenaar. Het is ook het jaar van de eerste impressionistische tentoonstelling , in de marge van de Official Salon. De revolutie in de moderne kunst is aan de gang en de schilder en zijn model zijn twee leidende figuren.

Het fluwelen lint dat aan de hals is bevestigd en het zwarte kant aan de kraag en pols benadrukken de bleke en tere huidskleur van het model.

De trouwring die de jonge vrouw hier als bewijs draagt, suggereert dat het schilderij haar misschien door Edouard Manet als huwelijksgeschenk is gegeven.

De transcriptie van Toulouse-Lautrec is persoonlijk, tot in het extreme vereenvoudigd. Hij rekt en verstrakt de omlijsting van het model, accentueert de pose om de medeplichtigheid tussen de twee hoofdrolspelers te versterken. Dit schilderij herinnert aan de voorkeur van de kunstenaar voor roodharige modellen, die hij zijn hele leven vertegenwoordigde, en in het bijzonder de dansers van de Moulin-Rouge, waar hij zijn nachten doorbracht met tekenen.

De kracht van het werk schuilt in de kracht van de kleur en het samenspel van schuine en evenwijdige lijnen die de jurk van de jonge vrouw verlevendigen. Het spel van schaduwen en lichten wordt in aanrakingen aangebracht, waardoor de buste en het gezicht van het model worden verlicht, de plooien en plooien van de stof worden geborsteld met brede penseelstreken.

Toulouse-Lautrec legde veel intieme momenten van vrouwen vast. Voyeur? Misschien, maar de manier waarop hij naar vrouwen keek, was altijd doordrongen van menselijkheid.

Het schilderij is niet gesigneerd of gedateerd. De toeschrijving van het werk aan Toulouse-Lautrec kan in het verleden onderwerp van discussie zijn geweest.

Is het een schilderij of een spiegel die achter de jonge vrouw aan de muur hangt? In alle gevallen heeft de schilder vakkundig het profiel van zijn gezicht in het midden van de zwarte lijst geplaatst, alsof hij zijn portret in het schilderij wil invoegen.

Een decemberlandschap in Bethlehem ziet er vanzelfsprekend anders uit dan Brueghel het hier voorstelt.  is de geringe plaats die de kunstenaar heeft gereserveerd voor de hoofdpersonen opmerkelijk. Grijpt Brueghel een religieuze gebeurtenis aan om een alledaagse omgeving te kunnen schilderen? Er bestaan verschillende verklaringen over de betekenis van deze voorstelling. Het is bijvoorbeeld zeer opvallend dat zich onder de dorpelingen ook soldaten in Spaans uniform bevinden. Hiermee zou het een verwijzing kunnen zijn naar de sociale onrust in de toenmalige Zuidelijke Nederlanden veroorzaakt door de Spaans-Habsburgse bezetter. Zo waren de oogsten mislukt door de strenge winter en verzette de bevolking zich tegen de hoge belastingen die werden geheven. Bewijs voor deze verklaring kan je vinden links op het schilderij: in de herberg worden de belastinggelden in ontvangst genomen. Aan de gevel van de herberg hangt een schild met de dubbele adelaar, het wapen van de Habsburgers.

Van een gemoedelijk winterlandschap naar een Bijbels verhaal naar een politiek statement: dit werk heeft het allemaal in zich.

Dit schilderij van Pieter Brueghel de Jonge  is een kopie van een werk van zijn vader, Pieter Brueghel de Oude. Tussen het overlijden van Brueghel de Oude, in 1569 en de eerste gesigneerde werken van de hand van Pieter Brueghel de Jonge liggen circa dertig jaren. Al snel na het overlijden van zijn vader worden diens werken zeldzaam en gewild. Originele schilderijen van Bruegel de Oude waren niet meer te verkrijgen, dus werd aan de vraag voldaan middels kopieën. Het besluit om zich volledig te richten op het kopiëren van zijn vaders werk was waarschijnlijk een bewuste keuze van Pieter de Jonge, aangezien hij handig inspeelde op de bestaande vraag die bovendien bleef toenemen. Twee derde van het bewaard gebleven oeuvre van Pieter de Jonge bestaat uit kopieën naar zijn vaders werk.

Maar hier wordt het onderwerp voor het eerst behandeld als een realistische gebeurtenis: het laten zakken van een lijk van een kruis! Kijk naar het palet dat Rubens gebruikte: het koude getinte vlees van de gekruisigde contrasteert met de warme huidtinten van de andere hoofdrolspelers. Alleen het gezicht van Maria, grenzend aan dat van haar zoon, neemt dezelfde tinten aan... lijkachtig.

In dit meesterwerk maakt de rituele dimensie plaats voor de beschrijving van fysieke dood en verdriet.

Hoe weet Rubens ons er emotioneel bij te betrekken? De kracht van dit beeld is voornamelijk gebaseerd op de compositie en de kwaliteit van de uitvoering: een ononderbroken reeks armen, handen, gezichten ontvouwt zich in een arabesk onderbroken door intense blikken. In het midden van het schilderij de gapende wond van Jezus. De kracht van de figuren, de durf van de kleuren en het anatomische realisme maken de dramatische spanning nog voelbaarder. Ten slotte dragen personages buiten het tafereel – de oude vrouw links op de voorgrond, de man in het rood die de ladder afdaalt – bij aan de indruk van ogenblikkelijkheid en waarheidsgetrouwheid.

Op de voorgrond vormen de instrumenten van de Passie (doornenkroon, spijkers, in azijn gedrenkte spons), de voeten van de ladder en het gordijn van de heilige Maria Magdalena een prachtig stilleven. Bewonder de vibratie van de kleuren van grote virtuositeit die materialen tot leven brengt!

Deze schets is waarschijnlijk een voorstudie voor de uiteindelijke compositie die nog enkele aanpassingen heeft. Dankzij een beperkte techniek en palet streeft de kunstenaar naar het wezenlijke en schat hij snel het potentieel van de compositie in. (toegeschreven aan Peter Paul Rubens, circa 1615-1620)

Terwijl hij het incestueuze huwelijk van koning Herodes Antipas met zijn schoonzus Herodias aan de kaak stelt, wordt Johannes de Doper gevangengezet. Links zien we Salome, dochter van Herodias, dansen voor de gasten bij een banket. De koning, onder de indruk, biedt haar wat ze wil als beloning. Op aanraden van haar moeder claimt ze het hoofd van de heilige. Links is het tragische einde afgebeeld: het hoofd van Johannes de Doper wordt aan de koning gepresenteerd in aanwezigheid van Salome, die zich afkeert van het ongeluk dat zij zelf heeft veroorzaakt!

Wat de functie van dit religieuze werk was, weten we niet. Het is waarschijnlijk gemaakt in opdracht van Cosimo de' Medici (1389-1464), de machtigste man van de Republiek Florence en een groot kunstliefhebber. Het wordt inderdaad beschreven in de inventaris van het eigendom van zijn kleinzoon Laurent de Grote in 1492.

De expressie van de personages stelt de toeschouwer in staat om de actie te identificeren en de emotie ervan te voelen: kunst wil net zo welsprekend zijn als poëzie. Hier stelt de terugtrekking van Herodiade ons in staat om de gruwel van het tafereel dat zich voor onze ogen ontvouwt te benadrukken.

Om zijn werk echt diepte te geven, weet Donatello het reliëf van de achtergrond bijna onmerkbaar te moduleren: veel details zijn op het eerste gezicht onzichtbaar, zoals de vele elementen die de architectuur sieren.

Met dit schilderij uit 1895 pakt Renoir een thema op dat dierbaar is voor zijn vrienden Monet en Pissarro, die deze weg vijfentwintig jaar eerder verschillende keren schilderden. Dit is het bergafwaartse deel van de weg van Louveciennes naar Port-Marly. De kleine figuur rechts is die van Jeanne Baudot.

Jeanne Baudot is de dochter van dokter Emile Baudot, hoofdgeneesheer van de Compagnie des chemins de fer de l'Ouest en huisarts in Parijs van Auguste Renoir. Dit prijst de charmes van Louveciennes zo goed voor de beoefenaar dat hij hem overtuigt om een ​​mooi huis te kopen aan het einde van de Grande-Rue (momenteel op 4, rue du Général Leclerc). Dit huis bestaat nog steeds.

Jeanne wordt de leerling van de schilder, zijn enige leerling. Renoir zal vriendschap met haar sluiten. In 1896 wordt ze ook de meter van de tweede zoon van de schilder, Jean, de toekomstige grote regisseur. Hij zal ook een atelier hebben in het huis Baudot gedurende vijftien jaar van 1897 tot 1914. Toen hij in het zuiden van Frankrijk woonde, huurde hij in de zomer tussen 1897 en 1915 een huis rue de Montbuisson waarvan de tuin grensde aan die van Jeanne Baudot.

Tijdens deze periode schilderde Renoir zijn laatste landschappen in Louveciennes

SCHAALMODEL VAN LILLE

De maquette had echter wel ernstige schade ondergaan. Er was in 1903 bijna 48 m² van verwijderd zodat het kon worden tentoongesteld op de kleine wanden van het Zeughaus. Meerdere gebouwen waren verdwenen, waarschijnlijk gevallen of gestolen.

Het plan werd gerestaureerd ter gelegenheid van de renovatie van het museum van Lille, zo'n dertig jaar later. Door een gebrek aan informatie konden er slechts drieëntwintig gebouwen van de belangrijkste van stad worden gereconstrueerd. Ze werden uitgevoerd in gezand lood om te contrasteren met de traditionele materialen van de maquette en zo visueel een nieuwe etappe in de geschiedenis van het schaalmodel van Lille te markeren.

DETAILS

1. Maar waar is de kathedraal La Treille gebleven? Geen paniek, deze was in die tijd nog niet gebouwd. Op het plein verheft de Motte Madame zich. Deze is nu gesloopt. Rondom staan oude Rijselse huizen die er nog altijd zijn. (231 tekens)
2. De burcht van Lille wordt gezien als het meesterwerk van Vauban, de koningin onder de burchten en nu nog in gebruik. De plattegrond staat in metaal op de grond van het atrium van het Museum voor Schone Kunsten van Lille. Een leuke knipoog van de architecten! (262 tekens)

De huidige gebouwen (15e en 17e eeuw) zijn perfecte voorbeelden van de architectuur van Lille, maar ze zijn niet origineel, aangezien het oorspronkelijke gebouw tijdens een brand in de 15e eeuw werd verwoest.

Het Hospice Comtesse is het oudste gebouw van Lille. Dit ziekenhuis werd in de dertiende eeuw gesticht om de armste mensen van de stad te kunnen helpen. Tegenwoordig huist het Hospice Comtesse een museum over de geschiedenis van Rijsel. Je kan in het ziekenhuis ook de oude kapel bezoeken en binnengaan in de keuken waar authentieke Delftse tegels hangen.

Opschriften / markeringen

Handgeschreven opschrift in zwarte verf linksboven op Jeanne's hoofd, in een perkamentvormende ruimte..

GEMAAKT IN HET JAAR 1632; Dame Jeanne, gravin van Vlaanderen en Henegouwen, dochter van Boudewijn, keizer van Constantinopel, echtgenote van Thomas de Savoye en voorheen van Ferdinand, zoon van de koning van Portugal, stichtte dit ziekenhuis Notre-Dame dit Comtesse de l'ordre de Saint Augustin, in Lille, in het jaar 1236, en stierf kinderloos in het jaar 1244.

Handgeschreven inscriptie in zwarte verf rechtsboven op Marguerites hoofd. Dame Marguerite zuster en enige erfgename / van genoemde Dame Jeanne bevestigde en verhoogde / sterk de genoemde stichting en voegde er ook aan toe / een kapel ter ere van de gekke St. Elisabeth / patrones van de hospitaalridders en stierf in het jaar 1279. / de kinderen achterlatend erfgenamen van vlaanderen en hainau / weldoeners en beschermers van genoemd hospitaal

HEILIGDOM

Het heiligdom, geplaatst op de kruising van het transept, wordt verhoogd door vijf treden gegraveerd in de basis van de pilaren die een ruimte van 100 m ² begrenzen  bedekt met een marmeren tapijt. In het midden staat een achthoekig altaar van verguld brons, versierd met rood email, met een diameter van 1,5 meter, gemaakt door de beeldhouwer Philippe Stopin ter vervanging van het oude witmarmeren altaar. Het is bedekt met brokaat en  heeft op elk gezicht licht golvende platte delen die symbool staan ​​voor water, als herinnering aan de oorsprong van het leven.

MAAGD EN KIND Georges Jeanclos, 1996, terracotta

In 1996 ontving Georges Jeanclos de opdracht voor het portaal van de kathedraal Notre-Dame de la Treille in Lille. Hij wil “een trumeau maken in de vorm van een levensboom met een zittende Maagd die het Kind voorstelt  ”. Zo stelt hij zich een Maagd voor die een tros druiven vasthoudt, vergezeld van het Kindje Jezus, zoals het votiefbeeld van Notre-Dame de la Treille. De Maagd die op een wijnstok naar haar Kind kijkt, wordt door de beeldhouwer aan de kathedraal aangeboden als teken van respect voor de sponsors die deze aanwezigheid van het Kind sterk verankerd wilden hebben in de katholieke iconografie. Het terracotta in het Hiéron-museum is het origineel dat aanleiding gaf tot het brons dat op een pilaar van het koor van de kathedraal van Lille is geplaatst.